It's Always Sunny In Philadelphia : immoralité et humour noir dans ce qu'ils ont de meilleur. 

En 2005, trois amis, Rob McElhenney, Glenn Howerton et Charlie Day, écrivent et filment dans leur appartement  un court métrage sur un homme se confiant à propos de son cancer à son ami, venu seulement pour lui emprunter du sucre. Le court une fois fini et monté, est montré à la chaîne FX en guise de pilote. C’est le début de It’s Always Sunny In Philadelphia, une des sitcoms les plus longues jamais diffusées à la TV américaine, en ce moment dans sa dixième saison, et déjà renouvelée pour deux de plus. Quelle est cette série qui malgré peu de nominations et de prix, dure depuis tant d’années et a même atteint, pour beaucoup, un statut de série culte ?

Des héros on ne peut moins nobles

Le pitch de départ de It’s Always Sunny In Philadelphia est assez simple. On suit les mésaventures du « gang », cinq amis qui possèdent et travaillent dans un bar miteux du sud de Philadelphie. Les prémices du show semblent au premier abord vus et revus. Mais ce ne sont pas l’amour, l’amitié, la famille ou le travail comme c’est d’habitude le cas dans ce genre télévisuel, qui guideront nos héros dans leurs aventures. Leurs moteurs sont bien moins nobles : avarice, fanéantise, ignorance, malhonnêteté, egoisme, egocentrisme et mesquinerie.

Tous les personnages se montrent plus immoraux les uns que les autres et, bien que censés être amis et collègues, leur quotidien n’est fait que de disputes, guerres intestines et arnaques en tout genre. Les défauts des personnnages son poussés à l’extrême : On retrouve Dennis (Glenn Howerton) narcissique, colérique et obsédé par son apparence, Charlie (Charlie Day), dysléxique, drogué et en dehors de la réalité, Dee (Kaitlin Olson) persuadée d’être la fille la plus drôle d’Amérique et véritable souffre douleur de son groupe, Frank (Danny DeVito), vieil escroc riche, malhonnête et bizarre, Mac (Rob McElhenney) luttant à chaque instant pour être le plus masculin et badass possible et ainsi refouler son homosexualité. En étant conscis, chacun des personnages de la série est absolument détestable.

Ce sont ces défauts, apparents et extrêmes, qui rendent, paradoxalement, les personnages attachants, et surtout, éminemment distrayants. Ils ne reculent devant rien, que cela soit devenir accro au crack pour toucher des allocations ou coucher avec la mère de ses amis juste pour leur faire du mal, en passant par tous les coups bas et idioties que vous pouvez imaginer, et même plus. La plus grande force du show est alors celle-ci : il n’y a pas de sujet tabou, on peut se moquer de tout et de tout le monde.

Un vrai « gang » qui dure

Le parti pris de la série d’avoir un humour noir sans concessions au mépris du politiquement correct et de la bienséance pourrait aisément tomber dans une facilité ennuyeuse et crasse, mais ce qui la sauve de tels travers, c’est son casting. On trouve dans It’s Always Sunny In Philadelphia un vrai esprit « troupe »,  trois des acteurs principaux œuvrant aussi en tant qu’auteurs et producteurs du show. On sent, au fur et à mesure que les épisodes avancent, une réelle complicité, non pas entre les personnages, mais entre leurs interprètes. Chose présente dans assez peu de séries, le casting donne réellement l’impression de s’amuser. Une joie communicative fait alors son apparition à chaque épisode.

Charlie Day, Glenn Howerton et RobMcEllhenney savent ce qu’ils veulent jouer, ce qui les amusent, et les forces et les faiblesses de chacun des acteurs. Toute cette bande semble alors marcher dans la même direction pour servir un humour qui leur est propre. Leur amitié en dehors de l’écran, et même plus, Rob McEllenhey et Kaitlin Olson s’étant mariés en 2008 et Charlie Day et Mary Elizabeth Ellis en 2006 n’est sûrement pas étrangère à la longévité de leur projet.  La plupart des séries qui s’étalent sur autant de saisons perdent souvent de leur saveur, devenant une caricature d’elles-mêmes, s’embourbant dans une routine ennuyeuse. Ce n’est ici pas du tout le cas. Le show gagne en qualité d’écriture et en fun chaque année et ne donne à aucun moment l’impression de tirer sur la corde. Chaque saison contient des épisodes hilarants, les personnages s’enfonçant de plus en plus dans leurs travers.

Une série déjà culte

Le mot « culte » est bien souvent trop utilisé et il est difficile de s’y retrouver tellement le terme peut ressembler plus à un argument commercial qu’à un réel statut. On ne s’intéressera pas forcément ici aux audiences et prix que le show a pu avoir, mais plutôt à la fan base qu’il a engendré. Le programme, bien qu’apprécié par la critique, est surtout un succès populaire. Les répliques des personnages sont connues par cœur, des gens se tatouent leur portrait ou citations. Quand l’équipe de la série a monté une comédie musicale adaptée d’un des épisodes préférés des fans, ils ont fait salle comble partout où ils ont joué. Le programme a reçu un statut privilégié de par son humour noir, ses running gags hilarants et surtout parce qu’elle a su se dédouaner des clichés et codes de son style télévisuel.

Ici, pas de tension amoureuse entre les personnages principaux, pas de moments émotionnels à la musique larmoyante, pas de leçons sur l’amitié et sa beauté, et, quand ces codes sont utilisés, c’est pour mieux les dénoncer, les faire s’effondrer sur eux même. Le show est crade, noir, immoral et c’est ça qui lui donne une personnalité, un vrai caractère, loin de toutes les sitcoms utilisant les mêmes bases et clichés encore et encore jusqu’à l’épuisement.

Cucumber, pilier d’une trilogie LGBT sans tabou, par Russel T. Davies, créateur de la pionnère Queer As Folk.

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Un conservatisme français qui apparaît avec autant de force que nos voisins anglais ont depuis longtemps décidé de faire de ce thème un sujet de prédilection : très tôt, les shows britanniques ont intégré des storylines axées sur la recherche et la découverte d’une identité sexuelle autre, passage obligé de l’adolescence.

Cette thématique, on la retrouve dans des séries emblématiques telles que Skins, qui a marqué une génération d’adolescents en exposant des jeunes adultes en quête d’eux-mêmes. On y suivait notamment le parcours initiatique d’Emily et Naomi, couple contradictoire et attachant, qui montrait la difficulté d’accepter et d’assumer une sexualité différente de la norme. Outre-atlantique, c’est l’excellent teen show Pretty Little Liars qui prenait le relais quelques années plus tard, en incluant dans sa trame narrative l’histoire lesbienne d’un de ses personnage principal, la belle et très féminine Emily, venant ainsi mettre à bas le cliché de la lesbienne masculine.

                                                                                              Transparent, Amazon Studios

 

Il est vrai que les séries LGBT restent l’apanage des chaînes premium, soumises à moins de censure et donc nécessairement plus audacieuses : The L World a vu le jour chez Showtime, la plus récente Looking chez HBO. Parmi les bonnes surprises de cette année, on retrouve Transparent, une série Amazon Studios, qui centre son intrigue sur un homme qui aime s’habiller en femme. L’autre bonne surprise, plus récente, nous vient d’Angleterre et est sortie le 22 janvier dernier sur la chaîne Channel 4 : c’est Cucumber, pilier d’un tryptique gay original et addictif. 

 

 

La déconstruction des clichés

Cucumber fait partie d’un tryptique fictionnel qui englobe en tout trois programmes étrangement intitulés Cucumer, Banana and Tofu. Une trilogie imaginée par Russel T. Davies, père de Queer As Folk et scénariste sur Torchwood et Doctor Who. Ce serait après avoir lu un article scientifique sur les stades de l’érection qu’il aurait eu l’idée de ces titres : de «tofu » (mou) à « cucumber » (dur), la signification devient du même coup beaucoup plus transparente.

Forte de ses 45 minutes et de sa diffusion en prime-time (le jeudi soir à 21h), Cucumber constitue la tête d’affiche de ce trio. Banana (20’), diffusée dans la foulée, est une spin-off centré sur les personnages plus jeunes de Cucumber, ce qui engendre parfois des crossovers assez drôles entre les deux shows. Tofu se distingue de ses grandes sœurs puisqu’elle quitte l’univers fictionnel et propose une série documentaire centrée sur les joies et peines de la gay way of life.

Russel T. Davies propose donc au spectateur une immersion totale dans un mode de vie particulier, une façon pour lui de contrer les nombreux clichés sur l’homosexualité. A travers un personnage principal particulièrement complexe, l’excentrique Henry Best (Vincent Franklin), le showrunner s’interroge : l’homosexualité est-elle une identité à part entière ? Peut-on être défini par sa sexualité ? Henry semble parfaitement coller au cliché gay : attiré par le corps masculin, fan de Kylie Minogue et adepte des chemises trop serrées, il n'y a pas de doute quant à son identité sexuelle.

Malgré tout, les failles du personnage sont rapidement révélées, jetant une lumière nouvelle sur cet homme qu’on croyait sans surprise : Cucumber , c'est aussi l’histoire de la phobie sexuelle d’Henry, 46 ans, qui n’est jamais véritablement passé à l’acte, de sa rupture avec son petit-ami de longue date, Lance (Cyril Nri), après une demande en mariage catastrophique. Bref, Cucumber montre la normalité d’un couple gay : la lassitude, l’ennui, la peur de s’engager, l’excitation d’une nouvelle rencontre, le désir sexuel : rien de plus universel dans une série pourtant très orientée.

Interprété par le très bon Vincent Franklin (vu dans L’Illusionniste, La mémoire dans la peau), Henry se retrouve donc à la rue et sans le sou, et se réfugie dans l’immense loft de Dean (Fisako Akinade) et Freddie, deux jeunes collègues de travail (et gays bien sûr !). Henry redécouvre la vie d’un jeune homosexuel, fantasme sur son colocataire Freddie (Freddie Cox, vu dans Pride), bel éphèbe blond au corps finement musclé, qui déambule en caleçon et change de partenaires sexuels comme il change de chemises. Jubilatoire, Henry annonce à son ex petit-ami, « We all live togethier in a great big gay house, being gay ! ».

Diffusée depuis le 22 janvier sur Channel 4, Cucumber comptera huit épisodes. Très addicitve, la série a parfois tendance à virer au soap-opera. Heureusement pour nous, l’originalité et l’anti-conformisme du personnage principal maintiennent Cucumber au rang de bonne série, où la réflexion de fond se mêle à la légèreté apparente de l’intrigue. 

Cucumber, Banana, Tofu : bande-annonce

 

 

 

 

Better Caul Saul, le retour de l’avocat véreux de Breaking Bad. Une série tragico-comique réussie, qui se détache de sa mythique grande sœur. 

En juillet 2012, Vince Gilligan parle d’un possible spin-off de Breaking Bad se concentrant sur l’avocat véreux et amusant de Walter White et Jesse Pinkman. Les fans, évidement, s’emballent. En avril 2013, la série est annoncée officiellement. C’est en deux parties, dimanche et lundi, qu’est passée cette introduction des aventures de James "Jimmy" McGill, sept ans avant sa rencontre avec notre professeur de chimie préféré, et avant qu’il n’adopte son pseudonyme : Saul Goodman. 

 

Le Saul Goodman post-Breaking Bad : portrait d’un loser 

 

On retrouve tout de même le style Gilligan : une esthétique soignée mais jamais tape à l’œil, des cadrages dont l’originalité accentue l’efficacité ainsi qu’une palette de couleurs, décors, ambiances et lumières, le Nouveau-Mexique semblant convenir parfaitement au showrunner. Toutefois si vous vous attendiez à voir un Breaking Bad bis, vous serez déçus. Dès le début, malgré une esthétique similaire, le ton semble différent, de par le personnage sur lequel on se focalise. Il est ici au tout début de sa carrière. Fauché, avec une clientèle inexistante et un bureau miteux, le personnage d’Odenkirk amuse de par son côté loufoque et malchanceux, une espèce de raté flamboyant qui cherche à trouver sa place en tant qu’avocat respectable.

Le personnage pourrait être tout droit issu d’un film des frères Cohen, tellement la lose semble inscrite dans son ADN. Notre héros prend alors ici beaucoup plus d’épaisseur : on lui découvre un quotidien, des frustrations, un frère et sort assez vite du carcan d’avocat rigolo pour devenir un personnage aux multiples facettes, à la fois grave et amusant, honnête et magouilleur. Et si à la fin du premier épisode on pourra croire que la série a des velléités comiques, la seconde partie du pilote nous rappellera l’univers dans lequel se passe cette histoire, celui de la pègre, de la drogue, de la violence. Et c’est l’angle choisi pour le décrire qui dénote et marque une profonde différence avec le show original. Le héros n’a plus la même place dans cet univers, et nous permet de le voir d’une autre manière, sans impression de redondance mais plutôt avec la fraîcheur d’un regard neuf.

Better Call Saul s’impose magistralement en deux épisodes grandioses, rappelant parfois ses origines sans être lourd. Le show reste accessible au plus grand nombre, ne nécessitant pas d’avoir vu Breaking Bad au préalable pour le comprendre, même si cela ne le rend que plus appréciable. On retrouve une écriture et une esthétique connue, mais utilisée pour mettre en valeur un angle différent du monde criminel. On ne peut alors que recommander ce pilote pour sa qualité d’écriture, son ambiance fun et pour assister à la genèse de, ce qui sera sas doute une grande série drama, avec une bonne dose d’humour noir.

Critique et dessins : Quentin Hell

Better Caul Saul est diffusée depuis le 8 février sur la chaîne câblée AMC.

Better Call Saul saison 1 : bande-annonce

 

Fortitude, quand une petite communauté isolée d'Islande est bouleversée par un meurtre. Un démarrage lent mais une atmosphère intrigante.

Fortitude est l’un de projets les plus ambitieux du network anglais Sky Atlantic, après le succès de sa série coproduite avec le français Canal + l’année dernière, Tunnel . Le pilote de Fortitude a, a priori, tout pour lui : créé par Simon Donald (Low Winter Sun), tourné dans un décor naturel grandiose (les glaciers islandais), la série se targue d’un casting hors-normes pour un pilote long d’une heure et demie, – au premier rang duquel figurent les stars Stanley Tucci (Hunger Games), Michael Gambon (le Dumbledore des Harry Potter), l’excellent Christopher Eccleston, récemment vu dans la série HBO The Leftovers ainsi que la talentueuse Sophie Grabol, l’intrépide Sarah Lund de The Killing version danoise. Bref, la chaîne a tout misé sur ce thriller scandinave aux sérieux airs de Twin Peaks. Pari réussi ? 

Dans l’ombre de Twin Peaks

Il en faut, de la « fortitude » (du courage, en français), pour s’immerger véritablement dans l’univers étouffant de cette communauté polaire, installée en plein blizzard au pied d’un glacier menaçant. Plus qu’une référence à la mythique Twin Peaks, on trouve parfois de véritables analogies avec la série la plus étrange de tous les temps : l’univers sonore de Fortitude rappelle les synthés pesants de la BO d’Angelo Badalamenti, compositeur fétiche de David Lynch à qui l’on doit également l’ambiance musicale anxiogène de Mulholland Drive. Et pour cause : Fortitude nous installe dans un flou ambiant : on s’attend à un meurtre qui n’arrive qu’à plus de la moitié de l’épisode ; le temps pour la série de poser les bases, de présenter les protagonistes dans leurs petits secrets et leur vices cachés.

Seulement, le show souffre d’une mise en place trop longue. Dans un régime de concurrence rude où le pilote doit accrocher rapidement le spectateur, il n’est pas garanti que ce pilote qui par moments paraît interminable fasse ses preuves. Et pourtant, la suite est intéressante : Fortitude prolonge (consciemment ?) l’analogie avec Twin Peaks : le scientifique Charlie Stoddart (Christopher Eccleston) est retrouvé mutilé chez lui par l'ambigu sheriff Dan Anderssen (Richard Dormer). Dan est un personnage typiquement lynchéen : en apparence membre fédérateur de la communauté, gardien de l’ordre et de la paix. En réalité, assoiffé de pouvoir et de reconnaissance, il est prêt à tout pour garder sa position alors qu’arrive l’enquêteur étranger à la communauté et donc un potentiel rival, Eugène Morton (Stanley Tucci). En outre, comment ne pas voir dans le Glacier Hotel Project de la business woman Hildur Odegard (Sophie Grabol) le reflet de l’ambition d’un Ben Horne et de son Grand Nothern Hotel dans TP ?

Des questions sociale, politique et écologique

Fortitude vend du rêve, sur le papier en tous cas. Hildur, femme d’affaire redoutable et responsable politique de la communauté (tout le monde l’appelle ‘The Governor’) fait de ce rêve son fonds de commerce. Habituée aux rôles de femme de tête, Sophie Grabol interprète ce rôle avec brio et justesse. Secondée par le sheriff Dan, Hildur doit donc protéger ses intérêts (économiques) en même temps qu’elle a pour devoir (politique) de trouver le coupable.

Pour certains donc, Fortitude s’avère être une opportunité formidable, une véritable mine d’or géologique et touristique. Pour d’autres, elle semble plutôt virer au cauchemar, tel un étau se refermant doucement sur ses habitants piégés dans la glace. A défaut de ce qu’explique une des scientifiques à un nouvel arrivant, tout le monde n’y est pas heureux. La stratification sociale s’y fait tout autant sentir, si ce n’est plus, qu’ailleurs. Les mineurs triment dans le froid tandis que les riches vendent leurs projets hôteliers et étudient les phénomènes biologiques de cet écosystème bien particulier. Des conflits sociaux qui pourraient être autant de mobiles pour un meutre...

Fortitude, « the safest place on earth » ? Pas si sûr, au vu des événements qui viennent bouleverser la soi-disant quiétude qui y règne. Si elle prend (peut-être trop) son temps pour installer son intrigue et ses personnages, la série parvient à entraîner le spectateur dans un thriller psychologique intriguant mais qui manque de personnalité. A l’heure de la multiplication des séries du même genre (une communauté fermée, un meurtre, une remise en cause de l’organisation sociale), Sky Atlantic utilise un schéma narratif connu, sans grande innovation. 

La diffusion de Fortitude a débuté le 29 janvier outre-manche, et comptera 12 épisodes.

Fortitude : bande-annonce saison 1

Louie, la vraie-fausse histoire d'un roi du Stand Up dépressif. Une série atypique et attachante. 

Louie a été lancé en 2010 sur le network FX aux États-Unis et n’a depuis cessé d’être encensé par la critique américaine (deux Emmy awards pour « meilleure écriture dans une comédie » en 2012 et 2014, deux Critic’s choice television awards en 2012 et 2013 pour « meilleur acteur dans une série comique », nommé deux fois aux golden globes en 2013 et 2015 pour le même prix…).

Louie, c’est la vie fictive de l’humoriste de Stand Up Américain Louis C.K., quadragénaire, divorcé, déprimé. Plutôt que d’accepter un contrat avec une plus grosse chaîne, il accepte la proposition de FX de faire un pilote avec un budget moindre, mais un contrôle complet du processus créatif, chose assez inhabituelle dans le monde des séries télés. Il se retrouve alors avec les casquettes d’auteur, réalisateur, acteur et même dans les premières saisons, monteur. C’est cet élément qui fait de la série un objet atypique dans le monde de la sitcom, c’est une vision d’auteur, entière et franche.

 

Une construction différente, une série hybride

Le premier élément qui pourra désarçonner les spectateurs de Louie, c’est son format. En effet, la grande majorité des épisodes sont composés de deux scènes entrecoupées de moments de Stand Up, le tout lié par un thème plus ou moins explicite. Ce choix apporte à la série des scènes plus lentes, privilégiant l’installation d’une situation plutôt qu’une course au gag effrénée.

La construction narrative est elle-même chamboulée dans plusieurs épisodes et semble abandonner une certaine cohérence au profit du propos (sa sœur change régulièrement de personnalité et d’actrice, son père est présenté comme décédé, puis comme vivant…), même si,  plus les saisons avancent, plus une cohérence s’installe et permet des histoires au long court, en plusieurs épisodes.  Le style de la série vacille toujours entre comédie et drame, certains épisodes mêlant les deux, d’autres laissant clairement l’aspect comédie en retrait. 

"Chaque jour commence et je relance le programme de la misère.  J'ouvre mes yeux, me souviens de qui je suis, de quoi j'ai l'air et je suis juste... Ugh..."

 

Rire de la déprime

La vie de Louie est déprimante. Père divorcé, solitaire et en surpoids, le quotidien de l’humoriste ressemble parfois à un long soupir. Mais à tant voir l’absurdité et la cruauté du quotidien s’acharner sur notre héros, on rit. On rit toujours un peu jaune, priant pour ne jamais se retrouver dans la même situation, mais on rit quand même.

Louie nous parle de la vie de tous les jours de la manière la plus juste possible, pointant du doigt avec ironie et acidité les petites cruautés, humiliations et malchances de la vie - le show pourrait parfois s’appeler « la loi de Murphy : la série ». Mais malgré tout ce qui peut lui arriver, notre humoriste brille de par plusieurs moyens. Le premier étant les instants de Stand Up (tournés devant un vrai public, pour les besoins de la série), Louie debout sur scène, le micro en main, un sourire apparu sur son visage, fait rire. À propos de la mort, de l’amour, de la solitude, de la paternité, de la religion, du sexe, de tout. Son quotidien se fait alors carburant pour ces quelques minutes sur scène où l’on se moque du meilleur, et surtout du pire. Louie brille aussi de par sa paternité, il se démène pour être présent pour ses filles, pour veiller sur elles. À des années-lumière de la mièvrerie, de façon toujours juste et humaine, il nous dépeint l’amour profond du père pour ses filles, l’agacement tout aussi profond qu’un adulte peut avoir pour un enfant. 

 

La forme en accord avec le fond

Sur le plan technique, Louie est toujours filmé avec beaucoup de sobriété, ressemblant un peu au cinéma indé américain de ces dernières années. Toujours simple et efficace, la mise en scène met en valeur les dialogues, et surtout, les acteurs. On pourra reprocher à Louis C.K. de se jouer lui-même, mais le fait est qu’il est toujours juste dans son embarras, dans sa maladresse, le rôle lui va comme un gant, ce qui n’est pas étonnant dans la mesure où il écrit son propre personnage. Ce qui est alors génial, ce sont les guests présents dans la série. Dans les personnages réguliers on retrouve une myriade de figures du stand-up d’outre atlantique, tous jouant une caricature d’eux même (Jerry Seinfeld, Chris Rock, Sarah Silverman, pour ne citer que les plus connus…). Ceux présents seulement pour un ou quelques épisodes, tout aussi talentueux, sont souvent des visages connus et même parfois, très connus (Matthew Broderick, Ricky Gervais, F. Murray Abraham, Robin Williams, David Lynch…). C.K. sait s’entourer, employant ses acteurs à la perfection, semblant capturer l’essence comique ou dramatique de chacun d’eux, bien que tous les visages ne soient pas familiers, les comiques étrangers n’étant pas extrêmement populaires dans l’hexagone.

La série format 20 minutes se fait de plus en plus inventive et sort peu à peu des carcans existants depuis les années 40. Certains diront que le terme sitcom n’est pas adapté à des séries comme Louie, qui rejette tous les codes du format et n’en garde que la durée. Mais pour moi,  à tort ou à raison, le terme sitcom, ou situation comedy dans sa forme non contractée, s’applique parfaitement et montre surtout que le genre est en train de changer, de prendre des lettres de noblesse.

 

Que l’on aime ou non la série, que l’on soit sensible ou non à son humour et à sa narration, Louie est une sitcom d’auteur et redore le blason d’un style qui reste trop souvent vu comme un divertissement un peu stupide aux rires enregistrés abrutissants, la faute à des shows comme Big Bang Theory (ce n’est, bien sûr, qu’un avis personnel), qui usent jusqu’à la moelle des procédés éculés sans grande nouveauté et qualité d’écriture. Le fait devoir des auteurs s’approprier ce genre, des « artistes » si j’ose dire, fait le plus grand bien à un format trop souvent malaimé, à la création artistique en général et surtout, c’est important, à nos petits yeux de spectateurs.

Louie ne plaira pas forcément au premier abord, le regard « doux-amer » posé sur le quotidien d’un quadragénaire divorcé ne peut pas parler à tout le monde. Mais si le show peut sembler sur le papier difficile d’accès et peu intéressant, surtout pour un jeune public, tout le monde peut s’identifier à ce personnage attachant, maladroit socialement, mal dans sa peau et dans sa vie. Louie, c’est un clown triste moderne, un être bon sur qui le destin semble parfois s’acharner et je défie quiconque de ne ressentir aucune empathie pour lui après quelques épisodes.

La série compte déjà 4 saisons, la 5^e débute le 9 avril 2015, sur FX. 

Critique et dessins : Quentin Hell

Louie : bande-annonce saison 1